Goldene Zeiten

Entpuppt sich in Zeiten von Netflix, Amazon Prime & Co. der gute alte Kinobesuch als Auslaufmodell?

Trommelfellperforierendes Uhrenticken am Strand von Dünkirchen, furioser Aufmarsch der Storm Trooper oder nostalgische Harfe, in schmeichelnd weich fließende Streicherklänge gebettet: Die Filmmusiken, die 2018 für einen „Oscar“ der amerikanischen Academy of Motion Picture Arts and Sciences nominiert sind, könnten nicht breiter aufgestellt sein. In Guillermo del Toros Retro-Romanze „The Shape of Water“, einem der Oscar-Favoriten, sind hingegen die Reihen im Lichtspieltheater mit seinen altbackenen Sandalenfilmen tagtäglich so leergefegt, dass das Amazonas-Monster auf der Flucht keine Panik auslöst. Dafür aber dem Zuschauer einen jener flüchtigen Momente beschert, in dem sich das Kino in sich selbst verliebt. Entpuppt sich in Zeiten von Netflix, Amazon Prime & Co., die inzwischen mit größeren Budgets und denselben Stars produzieren wie Hollywood, der gute alte Kinobesuch letzten Endes als Auslaufmodell?

niusic: Herr Strobel, wann sind Sie zuletzt selbst im Kino gewesen? Und war das als Besucher oder als Dirigent von Filmlivemusik?
Frank Strobel: Das war tatsächlich gestern, ich bin gerade auf der Berlinale, schaffe im Schnitt zwei Filme pro Tag. Gestern war das „3 Tage in Quiberon“, ein Film über Romy Schneider, der mir ausgesprochen gut gefallen hat, auch in seiner Schwarzweißästhetik.

niusic: Können Sie Kinofilme noch entspannt besuchen, oder hört der Musikprofi in Ihnen immer auch analysierend zu?
Frank Strobel: Gottseidank habe ich noch eine Art Besuchermodus, wenn ich einen Film zum ersten Mal sehe. Das ist für mich ein Gesamtkunstwerk, eine Einheit, in die ich mich fallen lassen kann, wenn sie gut ist. Aber wenn ich danach das Gefühl habe, da war etwas Interessantes in der Musik, gehe ich ein zweites Mal rein. Dann als analytischer Hörer. Es ist kein Wunder, dass man relativ schnell eine Dialogstelle zitieren, aber die Musik nicht so leicht aus dem Gedächtnis wiedergeben kann. Musik wirkt auf einer tieferen, unbewussteren Schicht als Sprache.

niusic: … sie kann ja das Geschehen verstärken oder unangenehm widersprüchlich kommentieren.
Frank Strobel: Das ist das Faszinierende an Filmmusik, dass sie sich nicht auf eine Funktion festlegen lässt. Sie kann Atmosphäre schaffen oder einen Raum, die Handlung konterkarieren – und all das nicht nur hintereinander, sondern auch parallel.

niusic: Was macht für Sie gute Filmmusik aus?
Frank Strobel: Wenn die Musik ein Bestandteil der Erzählung wird, den Film miterzählt, wie auch die Wahl der Schauspieler, Beleuchtung, Kameraführung, Schnitt. Ist sie bloße Staffage, finde ich sie langweilig. Gute Filmmusik hat immer eine dramaturgische Funktion, und das erreicht man mit verschiedenen kompositorischen Möglichkeiten. Nicht umsonst arbeiten viele Filmmusiken etwa noch immer mit Leitmotiven. Oder nutzen Musik zur Erzeugung von Spannung, da hat sie eine unglaubliche Macht.

niusic: Wenn man die für den Oscar nominierten Scores vergleicht, entdeckt man eine riesige Bandbreite. Leben wir in einem Goldenen Zeitalter der Filmmusik?
Frank Strobel: Dazu müssen wir erst einmal definieren, was Filmmusik ist: Im Prinzip jede Musik, die in eine funktionale Verbindung mit bewegtem Bild gebracht wird – das kann von der Renaissancemusik bis zum romantischen Hollywoodsound, Techno und Pop alles sein.
Sprechen wir konkret vom „Golden Age“ der Filmmusik, dann meinen wir die großen sinfonischen Scores. Noch immer arbeiten drei Viertel der heutigen Blockbusterfilme damit, insofern hat dieses Goldene Zeitalter nie aufgehört. Die sechziger Jahre brachten den Jazz ein, die achtziger den Rock. Aber ein Paukenschlag war 1977 die Filmmusik zu „Star Wars“ von John Williams, das verdeutlichte allen die Dimension von sinfonischer Musik im Kino. Und infolge brachen auch für die Sinfonieorchester in der Filmmusik noch einmal goldene Zeiten an.

niusic: Und mit „Star Wars – Die letzten Jedi“ feiert Altmeister Williams mit einer Sternen-Partitur unter den diesjährigen Nominierten sozusagen fröhliche Urständ.
Frank Strobel: Zwei Takte, und man hört sofort, das ist John Williams. Sogar in Bearbeitungen, etwa der Olympiahymne, die Williams auf Musik von Arnaud für Los Angeles komponiert hat. Einen ähnlichen Wiedererkennungswert haben aber auch Danny Elfman in seinen Arbeiten für Tim Burton oder Jerry Goldsmith.

niusic: Sehen Sie in der Lust am Zitat vergangener Musikstile wie in „The Artist“ 2012 und dem großen Revuescore wie „La La Land“ 2017 eine Strömung in der Filmmusik?
Frank Strobel: Auf alle Fälle! Auch der Erfolg von „The Artist“ beruhte auf dem Eintauchen in eine Zeit, die bereits 90 Jahre her ist. Das mag vielleicht mit beunruhigenden Entwicklungen in der Welt zu tun haben, in der wir leben. Aber ich denke, dass das Publikum ein Bedürfnis nach Live-Aufführungen und dem gemeinsamen Erlebnis hat. Gerade habe ich gelesen, dass 2017 das erfolgreichste Kinojahr überhaupt war. Natürlich spielt da eine Tendenz zu Opulenz, zu Ereignishaftigkeit, zum Abtauchen in andere Welten eine Rolle. Ich sehe das als eine Gegenreaktion zur Vereinzelung an den Monitoren des Alltags. Das Internet mit seiner Illusion der Allverbundenheit lässt uns in Wirklichkeit einsam sein. Daher gewinnt die Suche nach Gemeinschaft, nach einer echten Empfindung der Welt an Aufschwung. So stehen auch die Konzert- und Opernhäuser derzeit relativ solide da, weil sie Publikumszuspruch haben.

niusic: Also bringt uns die Kunstform Film direkter in Kontakt mit der Realität als der zeitsynchrone Informationsstrom des Internets?
Frank Strobel: Im Kino können wir alles erleben, ohne persönlich gefährdet zu werden. Wir streifen frei durch alle Zeiten, Realitäten, Situationen, tauchen ab in Fantasiewelten, in Zukunft und Vergangenheit.

niusic: Dann sehen Sie die Kunstform Kino nicht in Gefahr, etwa angesichts des rasant steigenden Streamings von Filmen und Serien zuhause?
Frank Strobel: Technische Neuerungen hat es immer gegeben, sie verlaufen in Wellenbewegungen, etwa als das Fernsehen seinerzeit durch den Reiz des Neuen die Leute aus dem Kino rausgezogen hat. In den letzten Jahren versuchte sich die Entwicklung der Cineplex-Kinos mit Surroundsound einem Erlebnis anzunähern, das man im Live-Filmkonzert automatisch hat, den allumgebenden Klang. Auch in einem akustisch guten Konzertsaal erleben wir den Klang hörend und zugleich physisch. Das zieht einen unheimlich ins Geschehen.
Noch in der Stummfilmzeit produzierte man die ersten Operettenfilme mit Livemusik, weil die Komponisten im Medium Kino eine Chance sahen. So auch Richard Strauss, der 1926 die Premiere der Filmbearbeitung seines „Rosenkavaliers“ in der Dresdner Semperoper selbst dirigierte.
Und was die Auswirkungen des Streamings angeht, da bin ich hoffnungsvoll. Streaming ist spannend und hat seine Möglichkeiten, es wird eine Ergänzung werden. Live in Kino, Oper, Theater gehen zu können – das hat man schon vor 15 Jahren für tot erklärt. In meinen Augen ein Irrtum, denn die Grundsehnsüchte des Menschen bleiben bestehen: nach einem Gemeinschaftserlebnis, der Einzigartigkeit des Moments und der anderen Wahrnehmung, die das Erleben von Bild und Ton im dunklen Raum mit sich bringt.

Wie schon 2017 haben wir uns für euch die nominierten Scores näher angeschaut. Wer ist der heißeste Favorit für die Trophäe?

Altmeister des Breitwandsounds
1977 betrat mit dem „Imperial March“ das wohl berühmteste Stück Sternengeschichte die Leinwand. Die Geschichte will es, dass 41 Jahre später Altmeister John Williams einen weiteren SciFi-Streifen klangveredeln darf. Großes Handwerk, aber in nichts von seinen vorherigen Arbeiten für das Endlos-Franchise unterscheidbar. Daher in unseren Augen kein Anwärter.




Der Geschmack von Blut
Gitarren, stampfende Rhythmen, Händeklatschen – nicht ohne Hintersinn flirtet Carter Burwells Hauptthema in „Three Billboards outside Ebbing, Missouri“ mit dem Stil der 70er-Jahre-Italowestern, die oft den müden Einzelkämpfer gegen eine feige Übermacht verherrlichen. Auch das Aufbegehren von Mildred, eigentlich mehr noch gegen die Gleichgültigkeit ihrer Mitbürger als die Polizisten, die sie mit ihren anklagenden Plakaten für den gewaltsamen Tod ihrer Tochter ins Visier nimmt, ihr teils selbst gewaltsamer Kampf gegen Gewalt und Rassismus – das alles krempelt das amerikanische Selbstverständnis gehörig auf links. Die Musik unterlegt solistische Gitarre und Klavier stets mit Streicherflächen, viel Hall und drohendem Bassgrollen und weist den zahlreich eingestreuten Pop- und Countrysongs eine wichtige Rolle zu. Ob das für einen Oscar reicht? Wahrscheinlich sahnt der Streifen schon zu sehr in den Hauptkategorien ab, um auch noch die Filmmusik einzuheimsen. Kleiner Sidekick: Renée Fleming hat hier einen ihrer gleich zwei Gastauftritte bei den diesjährigen Nominees.




Kunstvoller Extremist
Interessanter wird es bei Hans Zimmer. Jaja, das ist der, der ganze Sinfonieorchester aus der Steckdose holt. Elfmal war er bereits Oscar-nominiert, gewonnen hat der gebürtige Frankfurter aber nur einmal bisher, nämlich 1995 für „König der Löwen“. Ausgerechnet also ein Score, der mit seinen rührseligen Afrika-Anleihen denkbar weit entfernt lag von den ausgefuchsten Klangbasteleien, mit denen sich Zimmer derzeit in surreale („Inception“) oder futuristische („Interstellar“) Welten hineinkomponiert. Oder wie jetzt in die Beklemmung der am holländischen Strand auf Rettung harrenden britischen Soldaten in „Dunkirk“. Keine 40er-Jahre-Musik oder Popsongs im ganzen Score. Dafür thematisieren Musik und Film obsessiv die Zeit – die den Wartenden davon läuft. Das Ticken der Uhr, das die digitalen Klangflächen in Wellenbewegung versetzt und komplexe Impulsmuster entstehen lässt. Dazu rückt einem fast jeder Track mit brutalem Crescendo fast physisch auf den Leib. Wie der Lichtstreifen der Kalkfelsen von Dover am Horizont erscheint zum Schluss als Hymne auf das (Britisch-)Menschliche schlechthin der langsame Satz aus Edward Elgars „Enigma-Variationen“. Er wird mit Hörnerklang versilbert und zu Klangvisionen gedehnt, die eines Gustav Mahler würdig wären. Eigentlich hätte Zimmer für seine letzten drei Arbeiten diesmal den Sammel-Oscar verdient. Doch leider hat die Academy ein so schlechtes Gedächtnis, dass nach Meinung aller Beobachter ein Streifen vom letzten Sommer wie „Dunkirk“ gefühlt im Zweiten Weltkrieg stattfand.




Schillernde Streicherseide
Seit mehreren Jahren ist nicht mehr zu übersehen, dass die Juroren der Academy (und auch das Publikum) von Filmen besonders begeistert werden, die das Kino der Goldenen Jahrzehnte feiern. Und damit eine Zeit verklären, die in der Rückschau irgendwie schöner, menschlicher und großformatiger wirkt.

Mit dem Film „Der seidene Faden“ („Phantom Thread“) verabschiedet sich Schauspiellegende Daniel Day-Lewis (60) – der einzige, der jemals drei Oscars nach Hause tragen durfte – von der Leindwand. Schon diese Nachricht lud das von Paul Anderson inszenierte Beziehungsdrama vorab mit Spannung und Wehmut auf. Am sprichwörtlichen Faden hängt hier der häusliche Frieden zwischen dem kontrollsüchtig-sensiblen Haute-Couture-Schneider Reynolds Woodcock und seiner Assistentin Alma, die er sich wie Pygmalion selbst erschaffen zu können glaubt. Doch die resolute junge Frau bietet dem herrschsüchtigen Liebling der High Society selbstbewusst die Stirn. Jonny Greenwood, Gitarrist und Keyboarder der Band „Radiohead“, hat auf diese Handlung eine Musik geschrieben, die so kostbar-altmodisch wirkt, wie ein Prospekt für die 50er-Jahre-Roben von Woodcock. Mit Harfe (Woodcock) und Cymbalon (Alma) stehen sich leitmotivisch zwei Saiteninstrumente gegenüber – eng verwandt, und doch völlig verschieden. Aufgehoben wird das klanglich in den schimmernden Taft eines Streichquartetts. Greenwood kleidet das oberflächliche Traditionsbewusstsein in ein heutiges Gewand. Sollte er von der Außenseiterposition den Oscar bekommen, wären wir nicht überrascht.




Alexandre Desplat, der seit 2003 kaum ein Jahr weniger als vier Filmpartituren komponiert und auch die düstere Endzeitstimmung der späten Harry-Potter-Filme verklanglicht hat, ist mit der Musik zu Guillermo del Toros „The Shape of Water“ ein kleines Meisterwerk gelungen. Gleich mit mehreren Genres konfrontierte ihn der Plot: Der Amazonasmonster-Horror spielt hier genauso hinein wie die Nostalgie der Revuefilme, mit denen sich der alternde Nachbar Giles von Protagonistin Elisa die Zeit vertreibt. Kaum Unschärfen lässt die Handlung in Bezug auf del Toros Aussage: Ein Homosexueller, eine Afroamerikanerin, eine Taubstumme und ein russischer Spion stoppen in Teamarbeit die Zerstörungswut von FBI-Agent Strickland und verhelfen dem Außergewöhnlichen und der Liebe zum Sieg. Desplats Score mischt dazu Pfeifen und Bandoneon, also Klänge, die an das Paris der versponnenen „Amélie“ erinnern, mit der sinfonischen Breite für große Gefühle, dazu die Musiknummern der Revue-Filmchen von Giles und den zart-wässerigen Klang der Glasharmonika. Ein solch meisterlich gefasster Bilderbogen cinematografischer Genres in Musik dürfte das Herz der Juroren vor Freude über die Hommage zerfließen lassen. Jede Wette?